Desarrollo aspectos lógicos.
El renacimiento:
El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.
Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen.
Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen.
Pintores renacentistas.
Con todas las condiciones dadas para el arte renacentista, solo faltaba quienes las aprovecharan y las juntaran
con su extraordinario talento. Y eso sucedió principalmente en Italia, en donde surgen los más importantes
exponentes de la época.
El Renacimiento es un movimiento cultural que busca la renovación del hombre y su mundo, según los
modelos de la época clásica. Entonces, en el siglo XV, aparece un periodo llamado Quattrocento. Este periodo
destaca por su observación a la naturaleza y el paisaje, además, aparece el desnudo, el cuerpo humano se
representa en sus proporciones correctas.
Entre estos grandes artistas tenemos:
Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi)
Nacionalidad: Italia
1445-1510
Estilo: Renacimiento Italiano.Quattrocento
Nacionalidad: Italia
1445-1510
Estilo: Renacimiento Italiano.Quattrocento
Sandro Botticelli creció en el barrio del convento medieval dominico de Santa María Novella donde pudo observar una de las primeras obras de la pintura renacentista florentina el fresco de la TRINIDAD de Masaccio en Santa María Novella, terminado en 1427 , la primera obra en aplicar las leyes de la perspectiva central, las líneas de la obra que convergen en un único punto , aportan una nueva y unitaria apertura del espacio, en el que las figuras se organizan de manera consecuente. Las personas se destacan por una corporeidad realista que dejar ver el creciente interés por la presentación de la figura humana que volvía a resurgir en aquel tiempo. Con sus figuras grandiosas, Masaccio se aleja del ideal del gótico tardío, imperante en la pintura, y busca sus modelos en la pintura de Giotto, efectuada cien años antes, representando su obra el comienzo de la pintura cuatrocentista florentina, que culminaría en Botticelli y sus contemporáneos, dos generaciones más tarde, en la transición del siglo XV al XVI.
Botticelli se revelaría abierto a los logros del Renacimiento , introducidos por Masaccio como a las tendencias del Gótico tardío, (que realzaba la línea bella y la elegancia de suaves movimientos de las figuras) utilizo las reglas de la perspectiva central y estudió las esculturas de la Antigüedad, cuyo ideal del cuerpo humano se evidencia primordialmente en sus desnudos, y también revela por la gracia y elegancia de sus figuras, su aproximación con el estilo del gótico tardío.
Las pinturas de Botticelli tendrán contenido filosófico , político y religioso alejándose un poco de las escenas mitológicas y figuras alegres. Sus cuadros permitirán vislumbrar la cultura y la política florentina en la segunda mitad del siglo XV.
Es una de las grandes figuras del Renacimiento por su delicado dibujo y excepcional colorido.
Botticelli se inicia en el arte de la orfebrería desplegando su habilidad para el diseño decorativo de las formas.
Es una de las grandes figuras del Renacimiento por su delicado dibujo y excepcional colorido.
Botticelli se inicia en el arte de la orfebrería desplegando su habilidad para el diseño decorativo de las formas.
Nombre: Miguel Ángel, Michel angeló Buonarroti
Nacionalidad: Italia
Caprece (1475) - Roma (1564)
Estilo: Renacimiento Italiano - Cinquecento
Nacionalidad: Italia
Caprece (1475) - Roma (1564)
Estilo: Renacimiento Italiano - Cinquecento
Miguel Ángel fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. Su deseo fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de Santa Crose y así fue después de su fallecimiento.
Miguel Ángel a los 16 años de edad ya había realizado dos esculturas en relieve "EL COMBATE DE LOS LAPITAS o CENTAUROMANÍA", tambien llamada "EL COMBATE DE LOS LAPITAS Y LOS CENTAUROS"- donde muestra su dominio del movimiento y también de la anatomía- y la "VIRGEN DE LA ESCALERA" , fechadas en 1489- 1492, en estas obras se advierte la relación con la cultura clásica, así como la enseñanza toscana y florentina de Nicola Pisano y Donatello.
A los 30 años de edad Miguel Ángel era celebrado como uno de los maestros más destacados de la época, y la ciudad de Florencia lo honraría encargándole a él -que era 23 años más joven que Leonardo y le subsistiría cuarenta y cinco más- y a Leonardo Da Vinci la pintura de un suceso de la historia florentina sobre una pared de la Sala de Juntas principal del Ayuntamiento, pero las obras no se consumaron y en 1506 Leonardo regresa a Milán
Nombre: Leonardo Da Vinci
Nacionalidad : Italia
Vinci (1452) - Cloux (1519)
Estilo: Renacimiento italiano, Cinquecento
Nacionalidad : Italia
Vinci (1452) - Cloux (1519)
Estilo: Renacimiento italiano, Cinquecento
Leonardo Da Vinci es uno de los grandes maestros del Renacimiento famoso como pintor , escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Encantado por el conocimiento y la investigación, sus innovaciones en la pintura determinarían la evolución del arte italiano, siendo sus investigaciones científicas sobre anatomía, óptica e hidráulica anticipos de los avances modernos"
Leonardo Da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en Vinci era hijo ilegítimo de Ser Piero Di Antonio Da Vinci y de una campesina llamada Caterina, en el mismo año de su nacimiento su padre contraería matrimonio con Albiera di Giovanni Amadori, mientras que su madre biológica en 1457 se casaría con Acuattabriga di Piero Del Vacca.
Comienza su aprendizaje en el taller de Andrea Verrochio, quien se destacaría más como escultor que como pintor, y posee en Florencia uno de los Talleres de Pintura más sobresalientes.
Hacia 1469 ya a temprana edad eran de destacar sus cualidades para el dibujo, su talento para este arte nos ha permitido observar hoy su maravilloso legado en cantidad de dibujos realizados por su ágil mano. Manejó de forma extraordinaria la punta de metal y la pluma hecho que se verifica por sus primeras obras realizadas en los años 70 (setenta) del siglo XV.
Los primeros trabajos de este tipo pueden haber sido realizados en el taller de Verrochio durante los años de su aprendizaje, pudiendo ser este el caso del dibujo de un lirio, que se supone es una obra de taller que se emplearía probablemente en un futuro cuadro, de la misma forma ocurriría con el dibujo de un viejo guerrero de perfil efectuado con estilete de plata realizado, se estima en 1472, de inspiración en los modelos antiguos, de hecho se cree se basaban en aquella época en modelos escultóricos para la realización de los dibujos, que de ese modo facilitaban el estudio detallado de los ropajes para posteriormente utilizarlos en las representaciones de sus cuadros. El hecho de que fueran modelos realizados meticulosamente y con diferentes técnicas sobre un lienzo resistente permitiría su uso posterior para los nuevos aspirantes al oficio de pintor.
En 1472 Leonardo Da Vinci entra a formar parte del Gremio de los Pintores de San Lucas en Florencia quedando así facultado para recibir encargos independientemente de su maestro.
Realiza en 1473 un importante dibujo fechado el 5 de agosto de dicho año, que es hoy considerado como la primera representación autónoma de un paisaje en el arte.
En el siglo XV los artistas realizaban estudios de la naturaleza, así como de los modelos, para aplicarlos después a sus pinturas. El dibujo de Leonardo es conservado hoy en los Uffizi en la ciudad de Florencia, el paisaje reflejaría el valle del Arno y fue primeramente dibujado a lápiz y posteriormente en el taller fue terminado en plumilla.
Leonardo Da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en Vinci era hijo ilegítimo de Ser Piero Di Antonio Da Vinci y de una campesina llamada Caterina, en el mismo año de su nacimiento su padre contraería matrimonio con Albiera di Giovanni Amadori, mientras que su madre biológica en 1457 se casaría con Acuattabriga di Piero Del Vacca.
Comienza su aprendizaje en el taller de Andrea Verrochio, quien se destacaría más como escultor que como pintor, y posee en Florencia uno de los Talleres de Pintura más sobresalientes.
Hacia 1469 ya a temprana edad eran de destacar sus cualidades para el dibujo, su talento para este arte nos ha permitido observar hoy su maravilloso legado en cantidad de dibujos realizados por su ágil mano. Manejó de forma extraordinaria la punta de metal y la pluma hecho que se verifica por sus primeras obras realizadas en los años 70 (setenta) del siglo XV.
Los primeros trabajos de este tipo pueden haber sido realizados en el taller de Verrochio durante los años de su aprendizaje, pudiendo ser este el caso del dibujo de un lirio, que se supone es una obra de taller que se emplearía probablemente en un futuro cuadro, de la misma forma ocurriría con el dibujo de un viejo guerrero de perfil efectuado con estilete de plata realizado, se estima en 1472, de inspiración en los modelos antiguos, de hecho se cree se basaban en aquella época en modelos escultóricos para la realización de los dibujos, que de ese modo facilitaban el estudio detallado de los ropajes para posteriormente utilizarlos en las representaciones de sus cuadros. El hecho de que fueran modelos realizados meticulosamente y con diferentes técnicas sobre un lienzo resistente permitiría su uso posterior para los nuevos aspirantes al oficio de pintor.
En 1472 Leonardo Da Vinci entra a formar parte del Gremio de los Pintores de San Lucas en Florencia quedando así facultado para recibir encargos independientemente de su maestro.
Realiza en 1473 un importante dibujo fechado el 5 de agosto de dicho año, que es hoy considerado como la primera representación autónoma de un paisaje en el arte.
En el siglo XV los artistas realizaban estudios de la naturaleza, así como de los modelos, para aplicarlos después a sus pinturas. El dibujo de Leonardo es conservado hoy en los Uffizi en la ciudad de Florencia, el paisaje reflejaría el valle del Arno y fue primeramente dibujado a lápiz y posteriormente en el taller fue terminado en plumilla.
Nombre: Rafael Santi
Raffaello Santi o Sanzio
Nacionalidad : Italia
Urbino ( Italia) 1483 - Roma 1520
Renacimiento Italiano: Cinquecento
Tiziano nace aproximadamente en 1490 en la localidad de los Dolomitas, en el Pueblo Pieve Di Cadore y tendrá una importante influencia en la evolución estilística de la Pintura Renacentista.
A los diez años de edad se traslada a Venecia iniciándose en el Taller de Sebastiano Zuccato, quien fuera mosaiquista, posteriormente continuará en el estudio de Gentile Bellini y de allí se mudaría con el hermano del anterior llamado Giovanni Bellini. De Gentile aprenderá los principios del retrato.
A continuación se aproximaría a Giorgione cuyo estilo muestra suavidad en las transiciones de color y cierto misterio que plantea enigmas, como sería el caso de su obra titulada "La Tempestad".
Una de las primeras obras del artista dataría hacia el año 1509, sería una lonja construida para la comunidad alemana de Venecia, realizada como frescos en la fachada del Fondaco Dei Tedeschi, también en la fachada, habría trabajado Giorgione, pero antes hacia el año 1506, Tiziano realizó un óleo sobre lienzo llamado "El Hombre de la manga azul" aquí el artista exagera la manga que irrumpe o incursiona en el espacio, y la expresión del rostro y de la figura, infunde la presunción de cierta vanidad o soberbia en el hombre retratado.
Entre los años 1510 y 1512 realiza como contraparte de la anterior obra, la pintura titulada "La Schiavona" que actualmente se encuentra en The National Gallery, en Londres, donde la expresión del rostro de la mujer al contrario que el del "Hombre de la manga azul" muestra mayor amabilidad y parece complaciente.
Dentro de sus cuadros religiosos encontramos en sus comienzos a "La virgen con el Niño entre San Antonio de Padua y San Roque" realizado aproximadamente hacia el 1511, que sería un óleo sobre lienzo que se encuentra actualmente en el Museo Nacional del Prado en Madrid.
Giorgione fallece en el año 1510 en Venecia también se habría destacado por su preferencia en el tema paisajístico que fuera parte importante en la composición de su pintura.
Influenciado por Giogione, Tiziano realiza el "Concierto Campestre" hacia el 1511, que se encuentra en el Musée du Louvre en París, se ha pensado que esta obra pertenece a Giorgione y dataría entonces hacia 1508, si esto fuera así entonces Tiziano solo participaría en la realización de la obra, segun se supondría, plasmando la ninfa desnuda con el jarro de agua.
Tiziano pinta "Los Milagros de San Antonio de Padua" hacia el 1511 son murales, efectuados como frescos en la Scuola del Santo en Padua. Los temas que los dos murales abarcan serían el perdón y la reconciliación. Se titulan "El Milagro del marido celoso", donde el esposo después de asesinar a su esposa, presumiblemente infiel, es convencido por San Antonio de su inocencia y se arrepiente, mientras que la mujer vuelve a la vida por intervención del Santo. En "El Milagro del recién nacido" obra de un realismo muy bien logrado, donde el Marqués D' Este sospecharía que el niño recién nacido no es su hijo sino de otro hombre, entonces el pequeño mientras es sostenido por San Antonio y por intervención del mismo santo, susurraría las palabras que le afirmarían al Marqués que es su hijo legítimo.
A los diez años de edad se traslada a Venecia iniciándose en el Taller de Sebastiano Zuccato, quien fuera mosaiquista, posteriormente continuará en el estudio de Gentile Bellini y de allí se mudaría con el hermano del anterior llamado Giovanni Bellini. De Gentile aprenderá los principios del retrato.
A continuación se aproximaría a Giorgione cuyo estilo muestra suavidad en las transiciones de color y cierto misterio que plantea enigmas, como sería el caso de su obra titulada "La Tempestad".
Una de las primeras obras del artista dataría hacia el año 1509, sería una lonja construida para la comunidad alemana de Venecia, realizada como frescos en la fachada del Fondaco Dei Tedeschi, también en la fachada, habría trabajado Giorgione, pero antes hacia el año 1506, Tiziano realizó un óleo sobre lienzo llamado "El Hombre de la manga azul" aquí el artista exagera la manga que irrumpe o incursiona en el espacio, y la expresión del rostro y de la figura, infunde la presunción de cierta vanidad o soberbia en el hombre retratado.
Entre los años 1510 y 1512 realiza como contraparte de la anterior obra, la pintura titulada "La Schiavona" que actualmente se encuentra en The National Gallery, en Londres, donde la expresión del rostro de la mujer al contrario que el del "Hombre de la manga azul" muestra mayor amabilidad y parece complaciente.
Dentro de sus cuadros religiosos encontramos en sus comienzos a "La virgen con el Niño entre San Antonio de Padua y San Roque" realizado aproximadamente hacia el 1511, que sería un óleo sobre lienzo que se encuentra actualmente en el Museo Nacional del Prado en Madrid.
Giorgione fallece en el año 1510 en Venecia también se habría destacado por su preferencia en el tema paisajístico que fuera parte importante en la composición de su pintura.
Influenciado por Giogione, Tiziano realiza el "Concierto Campestre" hacia el 1511, que se encuentra en el Musée du Louvre en París, se ha pensado que esta obra pertenece a Giorgione y dataría entonces hacia 1508, si esto fuera así entonces Tiziano solo participaría en la realización de la obra, segun se supondría, plasmando la ninfa desnuda con el jarro de agua.
Tiziano pinta "Los Milagros de San Antonio de Padua" hacia el 1511 son murales, efectuados como frescos en la Scuola del Santo en Padua. Los temas que los dos murales abarcan serían el perdón y la reconciliación. Se titulan "El Milagro del marido celoso", donde el esposo después de asesinar a su esposa, presumiblemente infiel, es convencido por San Antonio de su inocencia y se arrepiente, mientras que la mujer vuelve a la vida por intervención del Santo. En "El Milagro del recién nacido" obra de un realismo muy bien logrado, donde el Marqués D' Este sospecharía que el niño recién nacido no es su hijo sino de otro hombre, entonces el pequeño mientras es sostenido por San Antonio y por intervención del mismo santo, susurraría las palabras que le afirmarían al Marqués que es su hijo legítimo.
Los personajes representados por Tiziano denotan una mayor y novedosa claridad interpretativa. En sus obras el espacio queda coartado por las figuras que tendrían una destacada presencia física y del mismo modo sucede con el uso del color definiendo el espacio, esto se equipara a la importancia de la perspectiva así como a la distribución de las mismas figuras. Como se puede apreciar en su obra "La Virgen con el Niño entre San Antonio de Padua y San Roque"
Por los años 1509 - 1510 la peste se extendía por Venecia. Tiziano hacia el año 1512 realiza el retablo llamado "San Marcos entronizado con los Santos Cosme y Damían, Roque y Sebastián" que hoy se encuentra en Santa Maria della Salute, en Venecia. San Marcos aparece en la obra entronizado, es el Santo Patrono y protector de Venecia, mientras que Cosme y Damián son ambos médicos y Roque y Sebastián son considerados protectores contra la pestilencia.
Tiziano efectúa el óleo sobre tabla llamado "La Zingarella" o "La Virgen con el Niño" hacia 1511, inspirada en su composición por la "Virgen con el Niño" realizada en 1468 por Giovanni Bellini.
Otra obra será efectuada por el pintor, titulada "Salomé" hacia 1511- 1515 que se encuentra en la Gallería Doria Pamphili, en Roma. Aquí utiliza una luz tenue y colores suaves contrastando el rojo y el verde. Se supone que la cabeza de Juan el Bautista sería un autorretrato del mismo Tiziano. Encontramos también en esta obra la influencia de Giorgione, sobre todo en el gesto de la criada que sugiere el deseo de hablar, aunque de manera más insinuante y seductora, que en la obra de Giorgione llamada "La Vieja".
En la obra "La Sagrada Familia con un pastor" que fuera realizada hacia 1510 es donde se esgrime un poco de inexperiencia en la realización de la Virgen María y la pose de San José, junto con la expresión gestual y corporal del pastor.
Aproximadamente hacia el 1512- 1513 pinta "La Virgen con el Niño, Santa Catalina y Santo Domingo y un donante", una obra de gran tamaño para la Fundación Magnani Rocca, donde se destaca la vestimenta de la Virgen en un rojo brillante. Mientras que en 1516 pintaría "La Virgen con el Niño Santa Dorotea y San Jorge".
Tiziano realizaría una serie de retratos femeninos, algunos posiblemente de cortesanas venecianas con vestidos pomposos, que las haría por entonces difícilmente diferenciarse de las damas pertenecientes a la nobleza.
Entre estos retratos encontramos "La mujer ante el espejo" realizado hacia 1514 , "La Violante" también en el mismo año. "Flora" realizado entre 1515 al 1520 es uno de sus retratos mas destacados.
Tiziano efectúa la obra "Amor sagrado y Amor profano" hacia 1514 que parece remitirse al matrimonio de Nicolò Aurelio con Laura Bagarotto de Padua, efectuado en mayo de ese mismo año, donde los árboles protegen a la novia de la calidez del sol a la izquierda, mientras que la luz es mas fuerte hacia la derecha, insinuando a modo de profecía las libertades y vicisitudes posteriores al matrimonio. Anterior a esta obra, en 1512, pinta "Las tres edades del hombre".
Pintaría "El Bravo" hacia el 1516- 1517 donde se puede ver a un hombre armado y de espaldas y cierta malignidad y crueldad en el aire, la idea podría basarse en el arresto de Baco por Penteo quien sería el rey de Tebas, que no aceptaba el culto a Baco, posteriormente Baco se vengaría mortalmente.
Realiza "El Tributo de la moneda" para Alfonso D' Este, de Ferrara hacia el 1516 que actuará como una puerta para la vitrina donde se encontrarían sus medallas.
Tiziano y el arte del retrato: Tiziano fue famoso por sus retratos, donde demuestra su interés acrecentado por la psicología. Además de las oportunidades de obtener por este medio nuevos mecenas, y siendo reconocido ya por una clientela internacional, sabía que el retrato creaba una imagen cuanto mayor y favorecedor fuera el parecido, además de significar un cierto estatus público o privado, que demanda interés y demuestra una personalidad reservada pero llena de vida, siendo esta plasmada así en la obra.
Tiziano era un creador de cierta manera un precursor, descubrirá la personalidad del sujeto retratado, y captará su estado de ánimo cuidadosamente y a la perfección y posteriormente unifica el perfil psicológico con el estatus o posición social del sujeto retratado de forma que le permite al pintor hermosear la persona, aún si así esto, se tratara de ocultar sus defectos. Las personas serán para Tiziano personalidades, no se interesa tanto por los decorados ni los accesorios, la importancia se centra en la persona, en su actitud y en la intemporalidad con que es aprehendido. Así también el colorido es característico de las obras de Tiziano, el color es participe absolutamente necesario para caracterizar al sujeto del retrato.
Tiziano realiza el cuadro "Jacopo Pesaro encomendado a San Pedro por Alejandro VI" hacia 1506- 1511, donde retrata al pontífice y a Jacopo Pesaro obispo de Pafos quien fuera encargado de dirigir las galeras papales, la obra se encargo posterior al fallecimiento del pontífice en 1503, debido a la obtención de la victoria naval sobre los turcos y la reconquista de la isla de Malta.
Por los años 1509 - 1510 la peste se extendía por Venecia. Tiziano hacia el año 1512 realiza el retablo llamado "San Marcos entronizado con los Santos Cosme y Damían, Roque y Sebastián" que hoy se encuentra en Santa Maria della Salute, en Venecia. San Marcos aparece en la obra entronizado, es el Santo Patrono y protector de Venecia, mientras que Cosme y Damián son ambos médicos y Roque y Sebastián son considerados protectores contra la pestilencia.
Tiziano efectúa el óleo sobre tabla llamado "La Zingarella" o "La Virgen con el Niño" hacia 1511, inspirada en su composición por la "Virgen con el Niño" realizada en 1468 por Giovanni Bellini.
Otra obra será efectuada por el pintor, titulada "Salomé" hacia 1511- 1515 que se encuentra en la Gallería Doria Pamphili, en Roma. Aquí utiliza una luz tenue y colores suaves contrastando el rojo y el verde. Se supone que la cabeza de Juan el Bautista sería un autorretrato del mismo Tiziano. Encontramos también en esta obra la influencia de Giorgione, sobre todo en el gesto de la criada que sugiere el deseo de hablar, aunque de manera más insinuante y seductora, que en la obra de Giorgione llamada "La Vieja".
En la obra "La Sagrada Familia con un pastor" que fuera realizada hacia 1510 es donde se esgrime un poco de inexperiencia en la realización de la Virgen María y la pose de San José, junto con la expresión gestual y corporal del pastor.
Aproximadamente hacia el 1512- 1513 pinta "La Virgen con el Niño, Santa Catalina y Santo Domingo y un donante", una obra de gran tamaño para la Fundación Magnani Rocca, donde se destaca la vestimenta de la Virgen en un rojo brillante. Mientras que en 1516 pintaría "La Virgen con el Niño Santa Dorotea y San Jorge".
Tiziano realizaría una serie de retratos femeninos, algunos posiblemente de cortesanas venecianas con vestidos pomposos, que las haría por entonces difícilmente diferenciarse de las damas pertenecientes a la nobleza.
Entre estos retratos encontramos "La mujer ante el espejo" realizado hacia 1514 , "La Violante" también en el mismo año. "Flora" realizado entre 1515 al 1520 es uno de sus retratos mas destacados.
Tiziano efectúa la obra "Amor sagrado y Amor profano" hacia 1514 que parece remitirse al matrimonio de Nicolò Aurelio con Laura Bagarotto de Padua, efectuado en mayo de ese mismo año, donde los árboles protegen a la novia de la calidez del sol a la izquierda, mientras que la luz es mas fuerte hacia la derecha, insinuando a modo de profecía las libertades y vicisitudes posteriores al matrimonio. Anterior a esta obra, en 1512, pinta "Las tres edades del hombre".
Pintaría "El Bravo" hacia el 1516- 1517 donde se puede ver a un hombre armado y de espaldas y cierta malignidad y crueldad en el aire, la idea podría basarse en el arresto de Baco por Penteo quien sería el rey de Tebas, que no aceptaba el culto a Baco, posteriormente Baco se vengaría mortalmente.
Realiza "El Tributo de la moneda" para Alfonso D' Este, de Ferrara hacia el 1516 que actuará como una puerta para la vitrina donde se encontrarían sus medallas.
Tiziano y el arte del retrato: Tiziano fue famoso por sus retratos, donde demuestra su interés acrecentado por la psicología. Además de las oportunidades de obtener por este medio nuevos mecenas, y siendo reconocido ya por una clientela internacional, sabía que el retrato creaba una imagen cuanto mayor y favorecedor fuera el parecido, además de significar un cierto estatus público o privado, que demanda interés y demuestra una personalidad reservada pero llena de vida, siendo esta plasmada así en la obra.
Tiziano era un creador de cierta manera un precursor, descubrirá la personalidad del sujeto retratado, y captará su estado de ánimo cuidadosamente y a la perfección y posteriormente unifica el perfil psicológico con el estatus o posición social del sujeto retratado de forma que le permite al pintor hermosear la persona, aún si así esto, se tratara de ocultar sus defectos. Las personas serán para Tiziano personalidades, no se interesa tanto por los decorados ni los accesorios, la importancia se centra en la persona, en su actitud y en la intemporalidad con que es aprehendido. Así también el colorido es característico de las obras de Tiziano, el color es participe absolutamente necesario para caracterizar al sujeto del retrato.
Tiziano realiza el cuadro "Jacopo Pesaro encomendado a San Pedro por Alejandro VI" hacia 1506- 1511, donde retrata al pontífice y a Jacopo Pesaro obispo de Pafos quien fuera encargado de dirigir las galeras papales, la obra se encargo posterior al fallecimiento del pontífice en 1503, debido a la obtención de la victoria naval sobre los turcos y la reconquista de la isla de Malta.
Nombre: Donatello (Donato Di Niccolò Di Betto Bardi)
Nacionalidad: Italia
Florencia (1386) - Florencia (1466)
Nacionalidad: Italia
Florencia (1386) - Florencia (1466)
Fue el escultor más importante y de mayor influencia en el Renacimiento Temprano. Nació en 1386 en Florencia. Entre 1404 y 1407 trabajo como ayudante en el taller de Ghiberti. Su primera obra importante es el David de mármol esculpido en los años 1408- 1409 para completar uno de los contrafuertes de la Catedral.
Posteriormente creara gran cantidad de esculturas en mármol, terracota, bronce, y madera para comitentes mayormente de la ciudad de Florencia, también de Pisa, Siena o Prato.
Entre 1444 y 1453 trabaja en Padua donde residirá hacia 1446-1447 siendo su obra destacada en esta lugar la estatua ecuestre de Gattamelata terminada en 1453 regresa a Florencia donde las condiciones de trabajo empeoran dado que cuatro años más tarde a la edad de setenta años pretende hacerse con el encargo de las puertas de bronce para la Catedral esto, solo resultarán en proyecto.
Posiblemente por un encargo de Cosimo de Médici , tal vez " Las cancelas de bronce de San Lorenzo"-regresa a Florencia en 1459 y con la obra en elaboración fallece el 13 de diciembre de 1466.
También se destacan sus inventos en el tratamiento de los relieves dando un nuevo punto de vista al arte europeo, como el relieve que decora el zócalo de su imagen de San Lorenzo en Orsanmichele, donde muestra la ruptura con los conceptos tradicionales del relieve. Donatello representa la profundidad espacial dentro del mismo plano del relieve. La nueva técnica se llama "Rilievo Schiacciato" o relieve plano por su efecto visual, también se le suma la dramatización de la forma narrativa.
En su obra llamada "Madonna Pazzi" que es un relieve en mármol creada hacia 1417-1418 rodeada por un marco de perspectiva acortada, la Virgen sostiene y abraza al niño cariñosamente, la perspectiva vista desde abajo da a la escena grandiosidad. Es una escena casi retratística Donatello depura el tipo de Virgen en relieve de medio cuerpo que sugiere proximidad al observador cobrando mayor notoriedad durante el quattrocento como imagen de meditación y culto privado.
Donatello alcanza con su técnica el apogeo hacia 1425 en la obra para la pila bautismal del Baptisterio de Pisa llamada: "El Festín de Herodes", aquí se diferencia la escena central de la presentación de la cabeza de San Juan el Bautista ofrecida a Herodes por un soldado con la rodilla en tierra ante el terror de los presentes.
Salomé a la derecha con estilo antiguo y el personaje del centro, increpa a Herodes que retrocede aterrado, aquí se da una concentración escénica que redunda en la representación en perspectiva de la arquitectura clásica de la arcada, enviando la mirada del observador para apreciar una profundidad en las dependencias del fondo antes no tenida en cuenta. El uso de la perspectiva central en este relieve de Donatello se destacará en todo el Renacimiento Temprano.
Los trabajos de Donatello en la Catedral de Florencia serían destinados a los cantantes, al coro y a los músicos, las tribunas se llaman Cantorias. En la tribuna destinada a los cantores realizara una nueva invención en lo referido a la interacción de la arquitectura y el relieve, donde la función del conjunto establece la composición de la estructura, aquí Donatello, alterna los volúmenes arquitectónicos y el movimiento de las figuras humanas. Libera las imágenes del friso de su marco arquitectónico para crear una escultura de bulto redondo.
Donatello realiza el "David" en bronce (hacia 1444-1446) que es una de las más importantes esculturas del Renacimiento Temprano siendo el primer caso en que un escultor crea un desnudo tridimensional de tamaño natural liberando la escultura de la arquitectura.Aquí Donatello se refiere a la Antigüedad al retomar el desnudo tridimensional de tamaño natural. Se supone que convino ser emplazada en el patio del Palazzo Médici como mención a la oposición política y a la resistencia militar de la ciudad gobernada por los Médici ante las expansiones de Milán y Nápoles.
Posteriormente creara gran cantidad de esculturas en mármol, terracota, bronce, y madera para comitentes mayormente de la ciudad de Florencia, también de Pisa, Siena o Prato.
Entre 1444 y 1453 trabaja en Padua donde residirá hacia 1446-1447 siendo su obra destacada en esta lugar la estatua ecuestre de Gattamelata terminada en 1453 regresa a Florencia donde las condiciones de trabajo empeoran dado que cuatro años más tarde a la edad de setenta años pretende hacerse con el encargo de las puertas de bronce para la Catedral esto, solo resultarán en proyecto.
Posiblemente por un encargo de Cosimo de Médici , tal vez " Las cancelas de bronce de San Lorenzo"-regresa a Florencia en 1459 y con la obra en elaboración fallece el 13 de diciembre de 1466.
También se destacan sus inventos en el tratamiento de los relieves dando un nuevo punto de vista al arte europeo, como el relieve que decora el zócalo de su imagen de San Lorenzo en Orsanmichele, donde muestra la ruptura con los conceptos tradicionales del relieve. Donatello representa la profundidad espacial dentro del mismo plano del relieve. La nueva técnica se llama "Rilievo Schiacciato" o relieve plano por su efecto visual, también se le suma la dramatización de la forma narrativa.
En su obra llamada "Madonna Pazzi" que es un relieve en mármol creada hacia 1417-1418 rodeada por un marco de perspectiva acortada, la Virgen sostiene y abraza al niño cariñosamente, la perspectiva vista desde abajo da a la escena grandiosidad. Es una escena casi retratística Donatello depura el tipo de Virgen en relieve de medio cuerpo que sugiere proximidad al observador cobrando mayor notoriedad durante el quattrocento como imagen de meditación y culto privado.
Donatello alcanza con su técnica el apogeo hacia 1425 en la obra para la pila bautismal del Baptisterio de Pisa llamada: "El Festín de Herodes", aquí se diferencia la escena central de la presentación de la cabeza de San Juan el Bautista ofrecida a Herodes por un soldado con la rodilla en tierra ante el terror de los presentes.
Salomé a la derecha con estilo antiguo y el personaje del centro, increpa a Herodes que retrocede aterrado, aquí se da una concentración escénica que redunda en la representación en perspectiva de la arquitectura clásica de la arcada, enviando la mirada del observador para apreciar una profundidad en las dependencias del fondo antes no tenida en cuenta. El uso de la perspectiva central en este relieve de Donatello se destacará en todo el Renacimiento Temprano.
Los trabajos de Donatello en la Catedral de Florencia serían destinados a los cantantes, al coro y a los músicos, las tribunas se llaman Cantorias. En la tribuna destinada a los cantores realizara una nueva invención en lo referido a la interacción de la arquitectura y el relieve, donde la función del conjunto establece la composición de la estructura, aquí Donatello, alterna los volúmenes arquitectónicos y el movimiento de las figuras humanas. Libera las imágenes del friso de su marco arquitectónico para crear una escultura de bulto redondo.
Donatello realiza el "David" en bronce (hacia 1444-1446) que es una de las más importantes esculturas del Renacimiento Temprano siendo el primer caso en que un escultor crea un desnudo tridimensional de tamaño natural liberando la escultura de la arquitectura.Aquí Donatello se refiere a la Antigüedad al retomar el desnudo tridimensional de tamaño natural. Se supone que convino ser emplazada en el patio del Palazzo Médici como mención a la oposición política y a la resistencia militar de la ciudad gobernada por los Médici ante las expansiones de Milán y Nápoles.
